04. Oct

15. Triennale Kleinplastik came to a successful end

Elke aus dem Moore, the curator of the 15th edition of the Triennial, posed fundamental questions with the assembled over 60 international artists. Starting from the idea of the vitality of matter and the effective power of objects, works and practices were presented that dealt with highly topical social issues of ownership, interconnectedness, restitution and responsibility, and discussed their urgency. Particularly noteworthy was the exhibition, for the first time in Europe, of works by Nijolė Šivickas, a Lithuanian-born artist who studied at the Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart from 1946 to 1950 and lived in Fellbach before emigrating to Colombia. Artists such as Nora Al-Badri, Mary Maggic and Mohsen Hazrati, among others, made clear how the embedding of the digital in our material world radically expands the understanding of sculpture. The 15th edition of the Triennial took place in three locations: In addition to the central exhibition space of the Alte Kelter, some artistic works were shown in a digital exhibition space, and a piece of forest served as the exhibition space for Sculpture Forest Sanctuary, a work by seven artists initiated by Antje Majewski.
From the beginning, the 15th Triennial was developed multiperspectivally by Elke aus dem Moore in close collaboration with three artists: Memory Biwa (Windhoek), Antje Majewski (Berlin) and Gabriel Rossell Santillán (Mexico-City, Berlin).
For example, it was a deeply moving gift to see all parts of the Flowers Beneath our Feet project, curated by Gabriel Rossell Santillán and created over years all over the world, come together in Fellbach. The tapestries were created in collaboration with artists such as Karen Michelsen Castañón, Lizza May David, Keiko Kimoto, Antonio Paucar, Luis Ortiz and Luis David Cruz Mendoza and represent the process of collecting parts of images and reconstructing images - in this case, representations from the time before Western colonization. A long journey had its first stop at the Alte Kelter in Fellbach.
The project also exemplifies the fact that the 15th edition was very internationally oriented. At the same time, there were more guided tours, events and programs for the young people of the city and the region than ever before. With over thirty public lectures, concerts, workshops, readings, performances, film screenings, tours and theater performances, the 15th Triennial realized a multi-layered and comprehensive public program. The issues and themes addressed thus reached many people online and offline beyond the exhibition itself.
For the first time, Fellbach worked very intensively with institutions in the Stuttgart cultural region. There was Pungwe at the ifa-galerie and Chiara Bugatti's Rehearsing brutality until it is totally destroyed with dancers from the Stuttgart Ballet. Antje Majewski's Sculpture Forest Sanctuary posed lasting and indeed permanent questions about our treatment of the environment, more specifically about our ideas of ownership of nature. The sculptures of the various artists initiated by her can still be seen in a forest area near the Besinnungsweg Fellbach (Fellbach Path of Reflection).
Under the exhibition motto The Vibration of Things, curator Elke aus dem Moore, her co-curators, and the exhibiting artists addressed questions about the forms of our coexistence. With the explosive nature of the themes, the interplay of different exhibition venues and numerous collaborations, as well as the international spectrum of artistic contributions, Elke aus dem Moore succeeded in presenting many different perspectives and thus opening up new ways of seeing.
Even if the 15th Triennial of Small Sculpture Fellbach has now come to an end: the resonances it has triggered among visitors will be felt for a long time to come. The goal of using the vibration of things to make lasting impressions in the community and beyond into society has become reality in a wonderful way. The visitors were touched and reacted euphorically.
We are looking forward to the 16th Triennial Small Sculpture Fellbach 2025!

01. Oct

Triennial Prize to Monira Al Qadiri and Triennial Young Artists Award to Stéphané Edith Conradie

Monira Al Qadiri is the recipient of this year's Triennial Prize, selected by the Board of Trustees of the 15th Triennial small Sculpture Fellbach. Al Qadiri's works on view in Fellbach include Holy Quarter, Spectrum and OR-BIT IV.

Curator Elke aus dem Moore:
"I am very pleased that the prize of the Triennial goes to Monira Al Qadiri. She impresses with her poetic-critical artistic works. Al Qadiri, who works with various media, returns again and again to sculpture in her work. The precise forms of her sculptures are often preceded by long research."

Al Qadiri is currently represented at many major exhibitions, for example at the Venice Biennale and with a permanent project as part of the Visual Arts Program at the EXPO in Dubai. Her work in Fellbach is the result of her research into the historical and cultural legacy of the pearl trade in the Gulf region and the massive social and economic changes triggered by its replacement by the Petro-economy, as well as the idea of a post-petroleum future.

In Holy Quarter, black petroleum beads formed from glass lie scattered in front of the projection of her virtuoso film. In this work, she refers to the world's largest desert region, Empty Quarter, located between Saudi Arabia, Oman, Yemen, and the United Arab Emirates. The desert is one of the oldest untouched habitats and is considered by humans as a place to experience being.
The multi-part sculpture Spectrum is modeled after the heads of oil drillers and combines Al Qadiri's partly personal memories of the history of pearl diving in the Gulf and the processes that have gripped the region with the oil industry.
OR-BIT, the floating, spinning pearl-colored sculpture is also modeled after a drill head, recalling the Tower of Babel and the often destructive desire for growth, wealth and power.

Monira Al Qadiri is a Kuwaiti artist who was born in Senegal in 1983 and educated in Japan. In 2010, she completed her PhD in Inter-Media Arts at Tokyo University of the Arts on the topic of the aesthetics of sadness in the Middle East. Her research focused on poetry, music, art, and ritual practices. In her performances, sculptures, and video works, Monira Al Qadiri engages with speculative futures and explores unconventional gender identities, Petro-cultures and their possible futures, and the legacy of corruption. She currently lives and works in Berlin.

The Triennial Young Artists Award honors young artists who are at the beginning of their careers. The Young Artist Award, presented for the first time this year, goes to Stéphané Edith Conradie, an artist born in Namibia in 1990 who lives and works in Cape Town.

The award, which is endowed with 2500€, is given to the artist for the two sculptures Sleepwa I and Sleepwa II (ox cart). With great intensity, the assemblages thematize intra-African migrations. The sculptures are touching in the poetic arrangement of the individual objects, which tell of the experience of flight and the desire to settle on a piece of land to call one's own.

Author Brandaan Huighen:
"Delft tableware, miniatures of Indigenous people, porcelain puppies, decorative glasses, ornamental vases, cuddly animals, wooden animal figurines, souvenirs from colonial places, homemade curios and brass jewelry, to name a few. (...) the mixing of previously separate elements that eventually come together in a consistent, albeit multi-layered, form. (...) The objects represent nodes of settlement and settlement tropes: the foundation of a private space on a claimed piece of land that others disputed."

Stéphané Edith Conradie's research and practice stems from a fascination with the way people arrange emotional objects in their living spaces - looking particularly at the homes of her family members in Namibia and South Africa. Her ornate sculptures and prints explore the history(s) of colonialism and creolization embedded in domestic material culture. Conradie's work is part of various private and public collections, including the Leridon Collection, France; the GAUTREAUX Collection, Kansas City; and the UNISA Art Gallery, South Africa.

01. Oct

Visitors' Prize to Sabian Baumann

The visitors of the Triennale have decided: The Visitors' Prize, donated by the Verein der Freunde der Triennale e. V., goes to Sabian Baumann from Switzerland. The work "Signes et Sentiments" received the most votes. The prize was awarded to Baumann in his absence due to illness at the closing ceremony.

01. Oct

On Solitude-Blog: Curator Elke aus dem Moore

On Solitude-Blog: Curator Elke aus dem Moore Elke aus dem Moore in conversation with Sarie Nijboer

01. Sep

#3 Resonances: Programme conceived by Pungwe (Memory Biwa & Robert Machiri)

What does it mean when we see "objects" as "sonorous bodies" that connect us with the past, tell stories, and have their own vitality? In resonance with the 15th Fellbach Small Sculpture Triennial, an ephemeral space opens up in the ifa Gallery that re-focuses restitution on despoiled "sonorous bodies" in relation to memorial and artistic practices. In museums these bodies are classified as "objects" and silenced inside glass showcases, while here they regain their vitality thanks to embodiments and links concerning their meanings, presence, and usage across the generations. "Objects" become "sonorous bodies." The specific point of reference for this video-sound installation that will be created in the ifa Gallery, and will be enacted as a performance over three days, is the return of twenty-three "sonorous bodies" from the Ethnological Museum Berlin to the National Museum in Windhoek (Namibia).

Shortly before the opening of the Fellbach Triennial, these "sonorous bodies" were prepared and packed for travel, a process that the artists Memory Biwa and Robert Machiri documented with a reflective artistic approach. Only a few days later Memory Biwa, co-curator of the Fellbach Triennial, installed works there by five artists from Namibia and South Africa: Thania Petersen, Vitjitua Ndjiharine, Philisa Zibi, Stephané Conradie, and Elisia Nghidishange. The confluence of these two processes activates catastrophic histories, relentless resistance, and memory-making in diverse ways. In video, sound, and performance, this project explores aural regimes and various forms of knowledge that enable a new experience and reflection of historical events and the relevant people and geographies, while also sounding out forms of togetherness.

3 day programme conceived by Pungwe (Memory Biwa & Robert​ Machiri​), in collaboration with Nikola Hartl and ifa Gallery Stuttgart. In resonance with 15th Triennale Small Sculpture Fellbach.

03. Aug

"To the will of the spirits stronger than we“ - Gespräch zwischen Brenna Bhandar und Hannah Vögele

#2 Resonances - Eigentum und Rechtmäßigkeit

Die begleitende Gesprächsreihe „#Resonances“, kuratiert von Nikola Hartl, widmet sich inmitten der Ausstellung in der Alten Kelter Fellbach jeweils einem Schwerpunkt der Triennale Kleinplastik. Bei #2 Resonances am Donnerstag und Freitag, 14. und 15. Juli 2022, stehen die Themen Eigentum und Rechtmäßigkeit im Vordergrund.

Teil 1 "To the will of the spirits stronger than we“

#2 Resonances wird eröffnet mit einem Gespräch zwischen Brenna Bhandar (Eigentumswissenschaftlerin und Rechtstheoretikerin) und Hannah Vögele (Feministische Eigentumswissenschaftlerin). Inwiefern wurden Landzuschreibung und die dadurch erfolgenden Besitzansprüche in ihrer rechtlichen Form mit rassistischen Methoden der Enteignung umgesetzt und damit eine Subjektivität der Macht und des Anspruchsdenkens kreiert, die bis heute westliches superiores Denken über Eigentum und Besitzverhältnisse prägt? Was sind „Kulturen des Eigentums“, was sind ihre rechtlichen Grundlagen und welche Auswirkung haben sie auf heutige Gesellschaften und in Bezug auf (deutschen) Kolonialismus und auch Siedlerpolitik?

03. Aug

KEIN SCHÖNER ARCHIV Spezial - Michael und Nuray bauen ihr Traumhaus

#2 Resonances - Eigentum und Rechtmäßigkeit

Die begleitende Gesprächsreihe „#Resonances“, kuratiert von Nikola Hartl, widmet sich inmitten der Ausstellung in der Alten Kelter Fellbach jeweils einem Schwerpunkt der Triennale Kleinplastik. Bei #2 Resonances am Donnerstag und Freitag, 14. und 15. Juli 2022, stehen die Themen Eigentum und Rechtmäßigkeit im Vordergrund.

Teil 2 KEIN SCHÖNER ARCHIV Spezial - Michael und Nuray bauen ihr Traumhaus

Mit einem Input in Form einer Lecture-Performance von Michael Annoff und Nuray Demir (Kein Schöner Archiv) beginnt der zweite Teil von #2 Resonances. Die Geschichte Deutschlands ist untrennbar mit Migration verbunden. „Kein schöner Archiv“ dokumentiert das immaterielle Erbe der postmigrantischen Gesellschaft. Immaterielles Erbe lebt von der Wiederholung und Weitergabe lebendiger Kultur. Es lässt sich nicht einfach in einen Schaukasten sperren. Michael Annoff und Nuray Demir sammeln gemeinsam Geschichten und Traditionen, die sonst vergessen werden würden, und feiern mit Gästen und Publikum. Zu Gast in Fellbach greifen Michael und Nuray die Tradition des Häuslebauens auf: Wohin nur mit all ihren Schätzen?

#2Resonanzen, Lecture-Performance von Kein schöner Archiv

03. Aug

Sich selbst gehörende Natur - Gespräch zwischen Dr. Irene Schöne und Antje Majewski

#2 Resonances - Eigentum und Rechtmäßigkeit

Die begleitende Gesprächsreihe „#Resonances“, kuratiert von Nikola Hartl, widmet sich inmitten der Ausstellung in der Alten Kelter Fellbach jeweils einem Schwerpunkt der Triennale Kleinplastik. Bei #2 Resonances am Donnerstag und Freitag, 14. und 15. Juli 2022, stehen die Themen Eigentum und Rechtmäßigkeit im Vordergrund.

Teil 3 Sich selbst gehörende Natur

Ko-Kuratorin und Künstlerin Antje Majewski und die ökologische Ökonomin Dr. Irene H. Schöne sprechen zum Abschluss von #2 Resonances über den Sculpture Forest Sanctuary, der am Eröffnungstag der Triennale Kleinplastik in einem Waldstück in Oeffingen eingeweiht worden ist. Was bedeutet Besitz? Können Menschen einen Wald besitzen? Was bedeutet die vertraglich geregelte Unnutzung eines Waldstücks nach dem Vorbild der „heiligen Wälder“ und welche neuen Formen von ökologischer Ökonomie sind möglich? Müssen dafür eventuell neue Rechtsbegriffe entwickelt werden?

21. Jul

Kunst in Resonanz - Überlegungen von Prof. Dr. Pierangelo Maset

Kunst in Resonanz. Zehn Fragmente

I. Der Sommer 2022 verbreitet seine extremen Temperaturen in einem Jahr, in dem alle in der ein oder anderen Weise von einer Krise tangiert sind, sei es der Ukraine-Krieg, Corona oder die immer weiter grassierende Inflation. Aber es gibt auch eine Kunst-Krise, die seit Wochen die „documenta fifteen“ beschäftigt und mittlerweile zum Rücktritt der Generaldirektorin geführt hat. Antisemitische Agitprop-Darstellungen konnten sich einen Weg bahnen bis zum Friedrichsplatz der Welt-Kunstschau, und das überlagerte medial alles andere, was mit der documenta fifteen zusammenhängt. Dabei sollte durchaus die Frage gestellt werden, was an den Bildern des Kollektivs Taring Pardi denn überhaupt einen Kunst-Status rechtfertigen konnte, um auf solch einer wichtigen Ausstellung gezeigt zu werden? Kann es sein, dass durch einen sich politisch korrekt wähnenden kulturellen Relativismus die Frage nach der Fortsetzbarkeit von Kunst zu Gunsten ihrer vermeintlichen Demokratisierung aufgegeben wurde? Das sind Fragen, die angesichts der Antisemitismusdebatte zur documenta fifteen in den Hintergrund geraten sind, doch sie zielen ins Zentrum.
Kunst als Kunst betrachten zu können, als etwas, das in der sonstigen Welt der Politik, der Wirtschaft, der Moral nicht ohne Weiteres vorkommt und deshalb z.B. in Ausstellungen oder in virtuellen Formaten präsentiert werden muss, verdankt sich Entwicklungen, die mit Politik, Wirtschaft und Moral verschränkt sind. Und die sind durchsetzt von erschütternden Dramen, von Weltkriegen, Industrialisierung, Kolonialismus. Die Welt der Nordhalbkugel ist davon gekennzeichnet, und ihre Kunst ist nicht nur Ausdruck davon, sondern sie speist sich nahezu aus diesen Dramen, Verwerfungen und Widersprüchen. In der documenta fifteen zeigt das Kollektiv Ruangrupa aus Indonesien dem Rest der Welt eine Ausstellung an einem Ort der Nordhalbkugel, in der die Kunstkrise auch als eine Krise durch Resonanz aufscheint. Die documenta tritt nun in Resonanz mit sehr unterschiedlichen künstlerischen Ansätzen, die zum Teil nicht kompatibel sind mit dem Kunst- und Mediensystem der Nordhalbkugel. Wenn auch in den 90er und 2000er Jahren Begriffe wie Intervention und Partizipation in der „westlichen“ Kunst eine große Rolle gespielt haben, ebenso die Problematisierung von individueller Autorschaft oder die Fetischisierung von Authentizität, so wird doch deutlich, dass Ruangrupa ein Kunstverständnis mitbringen, das der hiesigen Ausstellungspraxis insofern zuwiderläuft, als offensichtlich künstlerische Qualität in ihrem Kontext different verstanden wird.

II. All das ereignet sich durchaus in einer Traditionslinie, denn auch die 14. documenta (2017) war eine Ausstellung, die das nordwestlich dominierte Kunstsystem in seinem Einfluss zurückzudrängen versuchte, der inhaltliche Fokus richtete sich klar auf soziale und politische Fragen. Chefkurator Adam Szymczyk bezog sich zentral auf die Philosophin Gayatri Chakravorty Spivak, die in den neunziger Jahren die Idee eines Learning to Unlearning vorgebracht hatte. Dieses „Unlearning“ betraf sowohl die Erwartungen an eine Großausstellung als auch die Kunstbegriffe, die die gängigen Debatten bestimmten. Beides zu brechen oder zu umgehen, war dezidierte Absicht der documenta 14.

III. Nachdem die documenta spätestens seit Okwui Enwezors epochaler 11. Ausgabe bereits eine planetarische Perspektive eingenommen hatte, war es kaum verwunderlich, sich den wenigen noch verbliebenen Randzonen der Kunst zu widmen. Die passenden theoretischen Erzählungen lagen längst vor - von den Postcolonial Studies bis zur Queer Theory - und sie mussten nicht einmal neu justiert werden. Hier zeigt sich jedoch ein grundsätzliches Problem heutiger Großausstellungen, die künstlerische Arbeiten häufig insofern enteignen, als sie sie nahezu als Illustration eines kuratorischen Konzepts einsetzen. Die Arbeiten werden damit instrumentalisiert und erleiden einen Verlust ihrer Autonomie, was vermutlich viele Aktivist*innen der Kunst nicht bedauern werden, was aber auch deutliche Einschränkungen für ihre Freiheitsgrade mit sich führt. Und mittlerweile scheint sogar die Politik das Heft in die Hand genommen zu haben; - auch das ist ein Skandal, über den jedoch viel zu wenig gesprochen und geschrieben wird. Denn wie kann sich Kunst-Resonanz ereignen, wenn ihre Praktiken des Zeigens und Aufführens von kunstfremden Interessen gelenkt werden?

IV. Bei der Präsentation marginaler bzw. exotischer Positionen taucht das Problem auf, dass die Anderen als solche exponiert und in ihrem Status des Anders-Seins fixiert werden, um das Ausstellungskonzept zu bestätigen. Sie gelten dann z.B. als die aktuell Authentischen, vom Kunstmarkt Ausgeschlossenen oder als die Gegenwärtigen. Dabei werden sie jedoch im Rahmen einer Großausstellung zu Zeichen, die das kuratorische Konzept repräsentieren. Man mag noch so gut gemeint über die Repräsentationsformen heutiger Ausstellungen sprechen, Bände darüber herausgeben und Symposien veranstalten, der Widerspruch, dass man in eine weltweit medial vernetzte, konstruierte Maschinerie des Ausstellungsgeschäfts Die Anderen in das kuratorische Konzept einverleibt, lässt sich nicht auflösen. Heutige Kuratorinnen und Kuratoren antworten auf dieses Argument in der Regel mit dem unbefriedigenden Hinweis, dass man doch gerade solche Widersprüche zeigen und zur Diskussion stellen wollte. - All das sind Aspekte der Kunstkrise, doch es sind auch solche einer Resonanzkrise, denn es lässt sich keine ungebrochene Resonanz auf die Arbeiten der Anderen herstellen, wenn Letztere im nordwestlichen Kunstkontext beobachtet werden sollen. Und es geht mittlerweile nicht nur um die anderen Humanoiden.

V. Kunst setzt sich sich mittels anderer Kunst fort, und die Fortsetzung von Kunst wird durch jeweils andere Kunst ermöglicht. Diese andere Kunst muss nun immer auch als Form, die sich von bereits bestehenden Formen unterscheidet, beobachtet werden können. Um solche Formen hervorbringen zu können, kann die Kunst potenziell seit Beginn des 20. Jahrhunderts auf alles, was (noch) nicht Kunst ist, zurückgreifen. Sie kann alle möglichen Materialien, Gegenstände, Medien, Kommunikationen, Handlungen zur Erzeugung neuer Formen verwenden, mit ihnen in Resonanz treten, und sie ist in keiner Weise an bestimmte Verfahren gebunden, die sie als Kunst ausweisen würden. - Dies ist die entscheidende Leistung der Kunstentwicklung des 20. Jahrhunderts gewesen. Es ist auch eine Resonanzleistung.

VI. Was mit dieser Entwicklung deutlich wurde, ist, dass die Kunst Differenzen erzeugt, z.B. gegenüber zweckrationalen Produktionen, andererseits ist sie seit der Moderne damit beschäftigt, ständig Differenz zu sich selbst zu erzeugen und neue »Programme« zu entwickeln. Sie konnte sich dabei nicht nur damit begnügen, neue Dinge und Formen hervorzubringen, sondern musste auch ihre eigene Konstitution in Werken reflexiv werden lassen und diese unter Umständen sogar aufheben. Die Gegenwartskunst zeichnet sich hierbei durch die Einbeziehung unterschiedlichster Praxisformen und die Umwertung ästhetischer Programme aus. Manche ihrer Ausprägungen gehen so weit, dass man von Zweckfreiheit und Handlungsentlastung der Kunst - Bastionen traditioneller ästhetischer Theorie - nicht mehr sprechen kann; - im Gegenteil, es gibt Kunst, die Handlungen im „richtigen Leben“ auslösen will und sich selbst als zweckorientiert versteht.

VII. Gleichzeitig wird die heutige Kunst von zahllosen Kommentaren begleitet, die die Suche nach ihrer Differenz beobachten und beurteilen. Begriffe, die auf der documenta fifteen zu finden sind, z.B. Resonanz, Care und Repair sind in einem Kontext angesiedelt, in dem der Kunst die Rolle zukommt, gesellschaftlich handelnd einzugreifen und die Krisenszenarien, die unsere heutige Existenz umfassen, darzustellen und ggf. zu wenden. Die documenta fifteen ist davon erfüllt und auch die Fellbacher Triennale mit ihrem einladenden Titel Die Vibration der Dinge. Sind die Dinge so in Bewegung geraten, dass wir sie in anderer Weise erfahren sollten? - Auf jeden Fall sind in den letzten Jahren Formen und Chiffren in den Blick der Kunst geraten, die neue Themen und Fragen aufgeworfen haben, die für die gemeinsame Zukunft im Sinne einer Kohabitation als höchst relevant erscheinen. So z.B. in der 2019er Ausstellung im Hamburger Bahnhof in Berlin, die den beziehungsreichen Titel „How to talk with birds, trees, fish, shells, snakes, bulls and lions“ trug, und an der auch die in der Fellbacher Triennale vertretene Künstlerin Antje Majewski maßgeblich teilgenommen hatte. Im Booklet zur Ausstellung wird erklärt: „Die Ausstellung entwickelte sich aus einem Prozess aufeinanderfolgender Treffen und Diskussionen zwischen Künstlerinnen und Künstlern heraus. Sie alle befassen sich auf besondere Weise mit der Verflechtung von Natur und Kultur, indem sie auf ihr Wissen über einen spezifischen Ort zurückgreifen.“ Der von Donna Haraway und Bruno Latour verbreitete Begriff der „Naturkulturen“, der den Resonanzraum der beiden Dimensionen eröffnet, trifft die Intention dieser Ausstellung. Haraway hat in Unruhig bleiben - Die Verwandtschaft der Arten im Chthuluzän (Frankfurt/ Main 2018) die Perspektive im Sinne einer Symbiogenese noch erweitert: „Symbiogenese ist kein Synonym für das Gute, sondern eines für Mit-Werden in Responsabilität“. Auch bei ihr geht es um Wege heraus aus dem Anthropozän, und der Gegenwartskunst kommt dabei eine zentrale Bedeutung zu.

VIII. Es sei in diesem Zusammenhang an eine Theorie erinnert, die bereits Ende der 80er Jahre erschien und unbedingt einer Re-Lektüre unterzogen werden sollte, nämlich die Theorie der Morphischen Resonanz nach Rupert Sheldrake (vgl. Das Gedächtnis der Natur, Frankfurt/ Main 1992). Es geht hierbei um die Frage, wie sich Formen in der Natur bilden und wie sie sich erhalten und verändern. Sheldrake stellt dar, dass es resonante morphogenetische Felder und Rhythmen gibt, durch die „[…] formative Kausaleinflüsse über Raum und Zeit wirksam werden“. In der Natur entwickeln sich Formen nach dem Prinzip der (Selbst-)Ähnlichkeit, in der Kunst hingegen nach dem Prinzip der Unähnlichkeit gegenüber anderen Formen. Doch die Wirksamkeit eines morphischen Feldes ist auch hier gegeben: „Der Begriff ‚morphisches Feld‘ bezieht sich nicht nur auf morphogenetische Felder im engeren Sinne, sondern auch auf Verhaltensfelder, soziale Felder, kulturelle Felder und mentale Felder. Morphische Felder werden durch morphische Resonanz mit früheren morphischen Einheiten einer ähnlichen Art […] geformt und stabilisiert“. Die künstlerische bzw. ästhetische Arbeit trifft hierbei auf ein empfängliches Subjekt, das einen Impuls aufnimmt und eine differente Form generiert. Resonanz kann sich hierbei im ästhetisch-künstlerischen Sinn ereignen.

IX. Letztlich setzen ästhetisch-künstlerische Ereignisse und Gestaltungen auf solche Resonanzen, die das Unwahrscheinliche im Zusammentreffen unterschiedlicher Elemente hervorbringen. So z.B. in den Arbeiten der Künstlerin Stella Geppert, die unter dem Titel Scores and Sculptures Rauminstallation mit tänzerischer Bewegung und Zeichnung resonieren lässt, um verdeckte kommunikative Potenziale des Körpers in Erscheinung treten zu lassen.

X. Es ließen sich viele Beispiele anbringen, um deutlich zu machen, wie sehr die Gegenwartskunst sich in Resonanz bzw. in morphischen Feldern bewegt und befindet. Und in diesem Jahr der documenta, der Biennale in Venedig und der Fellbacher Triennale bestehen hervorragende Möglichkeiten, das eigene Resonanzvermögen im Zeichen globaler Krisen zu sensibilisieren, um etwas für das Zukünftige zu gewinnen.

19. Jul

Guided Tour in Simple Language

The cultural office attaches importance to the fact that all people can experience the Triennale. Since yesterday, a text presenting the works of the three co-curators in plain language has been available at the box office. You are welcome to take this text with you on a tour of the exhibition.

In addition, guided tours in plain language can be booked individually at the Kulturamt, minimum number of participants is 10 persons.

The Kulturamt would like to thank the Diakonie Stetten's Büro für Leichte Sprache for the translation.

28. Jun

This week: Start of the series "#Resonances"

#RESONANCES: Listen to Things More Often
# RESONANZEN: Höre den Dingen öfter zu

#Resonances: Listen to Things More Often /
#Resonanzen: Höre den Dingen öfter zu

#Resonances is a series of Interventions, Performances, Screenings, Conversations, encounters and Listening sessions around ownership, responsibilities, restitution, reparations and the sounding of objects.
(Art) objects give rise to relationships and experiences.
Looking at multidirectional resonances between objects, their owners, and communities, what forms of reception are needed to perceive these resonances in all their complexity and vitality? The liveliness of the matter demands us to listen really closely and carefully to understand the quite specific relations of people towards the things, their own legitimacy and soulfulness which gives them an autonomous effect and activated power that is often interrupted and disturbed by unrightful but officially “legal” implications of the modern colonial & capitalist concept(s) of ownership.
But who or what gives us the right to own, and what responsibilities arise with claims of ownership?
To what extent was land attribution (and the resulting claims to ownership) legally implemented e.a. by means of racist methods of dispossession, giving rise to a subjective power and entitlement thinking that continues to shape dominant Western thinking about property and ownership to this day. And what might a feminist understanding and methodology towards property mean especially in regard to German colonialism. When we talk about cultural heritage and the importance of remembrance and transmission: What about intangible/ immaterial cultural heritage, can it be owned too or how does it relate to ownership?

Cultural institutions and events like the Fellbach Triennial for Small Sculpture bear a special responsibility: they provide spaces in which resonance can be experienced. But how do we encourage an experience of art beyond that of a monolithic counterpart? What kinds of engagement, of coming-in-contact-with-one-another are needed? What happens with the ability to immerse oneself in another reality? Can art cause a transformation, a renewal—both at the individual level and within the larger social context? “Resonances: Listening to Things More Often,” a specially-developed program with multiple iterations in the frame of the 15th Fellbach Triennale asks these and other questions.

Conceived & curated by Nikola Hartl

Souffles / Sighs or Spirits / Seufzen
(Exerpst/ Auszüge)

“Each day they renew ancient bonds,
Ancient bonds that hold fast
Binding our lot to their law,
To the will of the spirits stronger than we
To the spell of our dead who are not really dead”


7 pm
#1 RESONANCES: Listen to things more often
Spirits inhabit the darkness that lightens, the darkness that darkens
Reparation & Restitution

Film screening: Un-Documented: Unlearning Imperial Plunder
Film by Ariella Aïsha Azoulay (with Moor Mother, Edoheart & Awori)
EN/ FR with German subtitles
34:56 min

Un-Documented: Unlearning Imperial Plunder shows that there is a close connection between the looted objects in European museums and the calls of asylum seekers trying to enter the countries of their former European colonial masters: It is a twin migration.
Un-Documented contradicts Alain Resnais and Chris Marker's film Les Statues mourir aussi (English: "The statues also die") by claiming that statues just don't die.The largely looted objects in ethnological exhibitions have survived and are still vigilant, even as they wait in glass cases and locked archives to be reunited with their people, here or elsewhere. The rights of the "undocumented" are inscribed in the looted objects themselves: The colonizers not only stole statues, but also the rights inscribed in the objects. Yet the statues live on - reclaimed, the rights inscribed in them can be renewed.

Ariella Aïsha Azoulay is professor of comparative Literature and Modern art Culture and Media at Brown University NY, a curator and documentary filmmaker. She is an expert in visual culture and photography. Her research focuses on how visual mediums can narrate history; specifically, the history of political regimes and zones of conflict. One of her renowned books Potential History: Unlearning Imperialism (2019) focuses on photography’s active and operative, not simply observational, role in the history of imperialism.

7.40 pm
Talk: Elke aus dem Moore (Director Akademie Schloss Solitude & Curator Fellbach Triennale 2022), Nadine Seidu & Linda Addae (Cultures of Remembrance Stuttgart)

How and what do we remember? What do we like to forget? And which memories have not been taken into account so far? How do the migrated objects in museums relate to the stories of people migrating today?Is there a multidirectional echo between objects, their owners, and communities? For example, close connections between looted objects in European museums and the calls of people seeking asylum? What distinguishes official and unofficial memory? These and other questions broaden the perspective for a pluralistic remembering in the region and beyond.
Nadine Seidu studied cultural studies, ethnology and communication sciences at the Johannes Gutenberg University Mainz as well as cultural management (contact studies). She completed a traineeship as museum curator at the Historical Museum in Speyer and worked at the international exhibition office Atelier Brückner. She was part of the Namibia Initiative of the MWK Baden-Württemberg as an officer in the management staff of the State Archives Baden-Württemberg. She was awarded the European Heritage in Motion Award of the European Museums Academy/Europa Nostra and was a mentee in the support program "Top Women in Baden-Württemberg" of the Steinbeis Institute. Now Nadine Seidu is in charge of the newly established coordination office for the culture of remembrance of the state capital of Stuttgart, which is responsible, among other things, for reappraising Stuttgart's colonial history and developing new approaches to contextualizing and dealing with colonial monuments and street names.
Linda Addae is a research assistant at the Koordinierungsstelle Erinnerungskultur Stuttgart, cultural scientist and activist at Black Lives Matter Konstanz. At the end of 2020, the Stadtarchiv Stuttgart commissioned her for the preliminary study 'Colonialist Thought and Colonial Culture in Stuttgart' in tandem with historian Michael Rösser (FernUniversität in Hagen/Universität Erfurt). Due to her intersectional identity, scientific expertise, professional experience and her role as an activist, she has a strong and authentic connection to different topics, people and cultural assets and dedicates herself to the most diverse topics, problems and tasks from different perspectives.

DO 14. Juli
To the will of the spirits stronger than we
Property & Legality Part 1

6 pm
Alte Kelter Fellbach
Conversation in English: Brenna Bhandar & Hannah Voegele.
To what extent was land attribution, and the claims to ownership that ensued, implemented in their legal form through racist methods of dispossession, creating a subjectivity of power and entitlement thinking that continues to shape Western, superior thinking about property and ownership to this day? What are "cultures of property" what are their legal foundations and what impact do they have on contemporary societies and in relation to (German) colonialism and also settler politics? And what does it mean to take an intersectional feminist perspective on property?

Brenna Bhandar is Reader in Law and Critical Theory at SOAS University of London, where her research addresses property law, indigenous land rights, and post-colonial and feminist legal theory. In her publication Colonial Lives of Property (Duke University Press, 2018) Bhandar examines how modern property law contributes to the formation of racial subjects in settler colonies and to the development of racial capitalism bringing together legal and social theories. Brenna has published widely in the areas of critical legal theory, sovereignty and indigenous rights, contemporary disputes over ownership and property rights, amongst other themes. Brenna takes a fundamentally transdisciplinary approach to her research, and draws upon critical race and feminist theory, critical indigenous studies scholarship, post-colonial theory, political philosophy and legal history. She is co-editor with Jon Goldberg-Hiller of Plastic Materialities: Politics, Legality and Metamorphosis in the Work of Catherine Malabou (Duke University Press, 2015) and, with Rafeef Ziadah, the forthcoming Revolutionary Feminisms: Conversations on Collective Action and Radical Thought (Verso, 2020).
Hannah Vögele is a political theorist and is currently pursuing a PhD at the University of Brighton with a theoretical-historical thesis on modern property relations. She lives in Berlin and works and organizes on (queer) feminism, colonial continuities, and state critique, among other topics. Her dissertation explores how modern property materializes in and through our (gendered, sexualized, and racialized) relations to others, to ourselves, and to our bodies. To do so, she examines the continuities of historical property regimes, particularly in the German context. As a political project and not just an intellectual exercise, this has implications for an understanding of combating violent relations today, such as for feminist struggles against sexualized violence or for bodily self-determination.

Documentation available later with German translation at

FR 15. Juli
To the will of the spirits stronger than we

4.30 pm
Input: KEIN SCHÖNER ARCHIV Special - Michael and Nuray build their dream house

The history of Germany is inextricably linked to migration. "Kein schöner Archiv" documents the immaterial heritage of the post-migrant society. Immaterial heritage lives from the repetition and transmission of living culture. It cannot simply be locked away in a showcase. Together, Michael Annoff and Nuray Demir collect stories and traditions that would otherwise be forgotten and celebrate them with guests and audience. As guests in Fellbach, Michael and Nuray take up the tradition of "Häuslebauen": Where to put all their treasures?

Michael Annoff is a political anthropologist, curator and performer. Michael Annoff's research focuses on performative culture, identity politics, and social justice in the cultural field. Since 2018, Michael Annoff has been documenting the intangible heritage of post-migrant society with artist Nuray Demir in the project "No Beautiful Archive." Michael Annoff's stations were for example at the Haus der Kulturen der Welt, the Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg and HAU Hebbel am Ufer. 2016-2022 Michael Annoff worked at the University of Applied Sciences Potsdam in the teaching area "Culture & Mediation".

Nuray Demir is an artist/curator in the field of visual and performing/performative arts. Her practice is characterized by a research-based, radically transdisciplinary approach. In her projects, she forms temporary ensembles with people from different fields. She is particularly interested in the debates and concepts of feminist and postcolonial theory. Nuray Demir's work is characterized by a critical view of social exclusion and complex hierarchical situations; she outlines artistic irritations and counter-positions and formulates a space in which social equality can be imagined and strengthened.

5.30 pm
Sculpture Forest Sanctuary: Nature Belonging to Itself
Inputs: Antje Majewski & Dr. Irene H. Schöne

What does ownership mean? Can people own a forest?
In a public conversation, in which among other things, the contractually regulated disuse of a piece of forest, according to the model of the "sacred forests" on site in Fellbach will be examined, the artist Antje Majewski, the ecological economist Dr. Irene Schöne and a lawyer specialized in property law want to investigate which new forms of ecological economy are possible and which new legal concepts may have to be developed for this.

Antje Majewski is an artist and co-curator of the 15th Fellbach Triennial. Her collective work "Sculpture Forest Sanctuary" poses questions around the self-determination of nature and its right to escape human use. Her recent work generally revolves around the interrogation of objects, territories, and plants, focusing on the exploration of alternative knowledge systems, storytelling, and the potential of transformational processes with a particular interest in cultural and geobotanical migration. An integral part of Majewski's work process is recurrent collaboration with other artists, ecological groups, and collectives engaged in urbanism
Dr. Irene H. Schöne is an ecological economist. She co-founded the IOEW Institute for Ecological Economy Research in Berlin and was Member of the Supervisory Board of the UmweltBank AG in Nürnberg from 1998 to 2015. Her latest book: "FAIR ECONOMICS = Nature, Money And People Beyond Neoclassical Thinking" has been published by Green Books, Cambridge/UK.

24 – 26 September 2022 tbc
ifa Galerie Stuttgart/ Alte Kelter Fellbach

Those who are dead are never gone
Sounding Objects+

In Progress.
Stay tuned for more here:

12. May

Triennale-Künstler Gabriel Rossell Santillán im Kunsthaus Dahlem, Berlin

Noch bis zum 20. März zeigt das Kunsthaus Dahlem im Rahmen der Ausstellung Transition Exhibition einen Teppich von Gabriel Rossell-Santillán, Lizza May David und Keiko Kimoto. Der ausgestellte Teppich ist Teil eines größeren Projektes, das Rosell Santillán unter dem Titel Flowers beneath our feet exklusiv für die 15. Triennale Kleinplastik Fellbach entwickelt. Flowers beneath our feet rekonstruiert fehlende Teile eines großen Teppichs aus der Mogulzeit, der transkulturelle und transspirituelle Ansätze einer Gesellschaft ins Zentrum stellt, in der der pazifische Raum als Zentrum der Welt galt. In Zusammenarbeit mit verschiedenen Künstler*innen und indigenen Gemeinschaften werden die verloren gegangenen Stücke aus dem 16. Jahrhundert in einer neuen Erzählung gewebt.

Dringende Empfehlung, diesen Botschafter der Vibration der Dinge in dieser Kooperation des Kunsthaus Dahlem mit dem Brücke-Museum anzuschauen!

Lecture by Elke aus dem Moore now online

On 4 May, Elke aus dem Moore presented the themes of the Triennale for the first time in a lecture. The lecture took place in the town hall hall of the city of Fellbach and is now available as a video on the Youtube channel of the city of Fellbach. The language of the lecture is German.

The focus is on the vibration of things - what does it mean that things live? How can their power manifest itself? And what role do art or exhibitions like the triennial play in conveying the effectiveness of objects?

30. Jun

Conversation between Elke aus dem Moore, Nadine Seidu and Linda Addae has to be cancelled - film and guided tour take place

Unfortunately, the conversation between Elke aus dem Moore, Nadine Seidu and Linda Addae has to be cancelled for unforeseeable but unfortunately unavoidable reasons and will be made up for at a later date.
The screening will still take place and there will be the possibility for the audience to have a conversation with Elke aus dem Moore and Nikola Hartl afterwards and to participate in a thematic guided tour through the exhibition.